Revolution for the masses: Depeche Mode live a Bologna

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FullSizeRender(1)Nel 1986, il dj della BBC John Peel dichiarò che: “se dobbiamo avere band che riempiono gli stadi, allora che siano i Depeche Mode”, e quel pensiero è risuonato attualissimo giovedì 29 giugno allo stadio Dall’Ara di Bologna. Quarantamila persone di tutte le età hanno riempito l’arena emiliana in attesa di uno dei concerti più importanti dell’estate 2017; una delle tappe del “Global Spirit Tour” che porta in giro per il mondo un rituale laico, la chiesa del muro di suono e di luci dei Depeche Mode, arricchita dai visual curati da Anton Corbijn.
Agli Algiers il duro compito di aprire le danze: la band di Atlanta suona con forza ed entusiasmo, convincendo parte del pubblico con quarantacinque minuti di post-punk dalle influenze soul/gospel. Poi alle 21 precise scompare la techno pompata dalle casse per tutto il pomeriggio e parte “Revolution” dei Beatles, che sottolinea da quale parte stanno i Depeche Mode. Il setlist del concerto pesca dal materiale più recente della band, tralasciando gli anni Ottanta, e inizia con il singolo “Going backwards”; quando la band sale sul palco  il pubblico impazzisce, pochi secondi dopo compare la “diva” Dave Gahan  e un secondo urlo collettivo scuote il Dall’Ara. È infatti il sensuale vocalist, insieme al chitarrista Martin Gore, a reggere lo spettacolo: Alan Wilder non c’è più da anni, Andrew Fletcher sembra fare solo il “compitino” e i turnisti (con il batterista instancabile in testa) completano l’organico della band. Superati eccessi, dipendenze, punti di non ritorno e depressioni, il duo Gore-Gahan è in splendida forma e lo dimostra su ogni pezzo: “Barrel of a gun”, sinuosa e lasciva, porta il suono sull’orlo del precipizio con l’eleganza che compete ai Depeche Mode; un dark-elettronico che ammicca all’hip-hop quando Gahan chiude il pezzo citando “The Message” di Grandmaster Flash. “A pain that I’m used to” risuona in tutto lo stadio in una veste più suonata ed electro-rock dell’originale su cui il vocalist scatena le sue mosse sensuali che mandano in estasi il pubblico (non solo) femminile. La magia oscura di “In your room”, a partire dall’arpeggio dolente di Gore, avvolge le migliaia di spettatori in un abbraccio inquietante, accompagnato dal video di una coreografia di ballo chiusa in una stanza. Proprio il chitarrista (e tastierista) si prende la scena per due versioni struggenti di “Judas” e “Home”, dove l’onda dei cori del pubblico alla fine del brano non si placa per diversi minuti. La nuova “Where’s the Revolution?”, debole su disco, dal vivo esplode a piena potenza confermando la capacità dei Depeche Mode di dare vesti nuove ai propri brani. “Everything Counts” parte con un arrangiamento decisamente più aggressivo dell’originale degli Ottanta. L’inconfondibile apertura di sintetizzatori di “Enjoy the silence”, manda in delirio la folla che inizia a intonare la melodia dell’arpeggio minimalista di Gore, un attimo prima di scatenarsi sul beat disco del brano del 1990; Gahan canta solenne ed epico e la funzione laica raggiunge il suo apice. Il drumming ossessivo di “Never let me down again” avvia al concerto alla conclusione della prima parte, mentre migliaia di persone cantano e ballano sulle note di uno dei più autentici capolavori della band.
È tempo di bis e tornano sul palco Martin Gore e il tastierista Peter Gordeno, per una versione da pelle d’oca di “Strangelove”, per sole chitarra e tastiera. Lo sventolìo di una bandiera nera sfilacciata che compare sui maxi-schermi fa da cornice alla cover di “Heroes”: un tributo a David Bowie che la band porta avanti in modo (fin troppo) sobrio, elegante e non pedissequo; al termine del brano Gahan manda un bacio al cielo. Dopo una convincente “I feel you”, arriva il gran finale con “Personal Jesus”. Il riff di chitarra di Gore, come un selvaggio blues futurista, caratterizza tutto questo brano leggendario. Ancora una volta, inarrestabile, Gahan arringa la folla con la sua mimica allusiva e con l’iconico ondeggiare di braccia alzate ripreso dal pubblico. Stanchi e sorridenti, i Depeche Mode salutano e scompaiono dietro al palco; si accendono le luci e lo stato di trance si interrompe lasciando un forte senso di straniamento.

Intervista a “Frammenti di un Cuore Esploso”

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unnamedNata come etichetta indipendente e gruppo di organizzazione eventi, Frammenti di un Cuore Esploso è poi diventata associazione culturale e un anno fa ha raggiunto l’obiettivo di dotarsi di un vero e proprio quartier generale. Domani sera, infatti, si terrà il primo compleanno della realtà socio-culturale che supporta il mondo underground  punk, hardcore, grind, stoner, noise, metalcore; uno spazio, quello di via Bracci a Mantova, che funge da base logistica per le attività di servizio alle band e al mondo degli eventi. In occasione delle giornate di festa, abbiamo intervistato Francesco Artioli, presidente e anima del progetto Fce.

  1. In piena crisi economica e in una piccola città fuori dal circuito indipendente, un gruppo di coraggiosi mette in piedi una realtà come Frammenti di un Cuore Esploso. Possiamo parlare di una scommessa vinta: quali sono stati gli ingredienti che hanno reso possibile questo risultato?

    Forse parlare di scommessa vinta è ancora presto per un progetto giovane come il nostro ma i segnali da un anno a questa parte (dall’apertura del nostro spazio di Via Aliano Bracci il 7 maggio 2016) sono davvero confortanti. Dopo aver organizzato eventi a ripetizione, quasi venti coproduzioni e realizzato la nostra base operativa direi che Mantova non è più fuori dal circuito indipendente e anzi siamo sommersi di richieste di artisti underground da tutta Italia e dall’estero. Tra gli ingredienti che stanno rendendo possibili buoni risultati citerei la capacità di ascoltare, sviluppare e collaborare anche in progetti altrui, il tentativo di far sentire tutti (artisti/soci) come a casa propria nel nostro centro e l’enorme passione ed impegno che proviamo a mettere in ogni dettaglio.

  2. Quali le tappe che hanno visto evolversi il progetto dal primissimo festival del 2010, fino all’apertura di una vera e propria sede?

    Siamo partiti organizzando concerti di musica indipendente in vari spazi di Mantova e Modena.Insieme a questi eventi abbiamo cercato di documentare in Italia e in Europa le scene musicali più estranee al music business attraverso foto/video/interviste grazie all’aiuto di Nereo Bumci e di Neoel Multimedia Service. Circa tre anni fa abbiamo deciso di allargare il nostro team per fornire servizi di ogni tipo ad altre associazioni, circoli, artisti, enti privati e pubblici utili a sviluppare e realizzare i loro progetti culturali. L’ultima fase è stata quella di aprire il centro di Via Aliano Bracci che dopo questo primo anno vanta già 600 soci ed ha visto nascere gruppi e dischi fra le sue mura.

  3. Un anno contrassegnato da decine e decine di concerti indipendenti, organizzati anche in altri locali in collaborazione con diversi partner musicali. Quanto è importante mantenere attiva la scena in un territorio come il nostro?
    Nel nostro territorio ci sono numerosi appassionati di cultura underground anche se sparsi per la provincia. Ora con FCE hanno un posto dove incontrarsi, creare musica, organizzare eventi ed avere consigli per registrare, stampare e distribuire i propri dischi. Siamo felicissimi del fatto che diversi nuovi gruppi sono nati nelle nostre sale prova e la scena ci sembra ora più attiva che mai. Vogliamo creare un ambiente ideale per la produzione artistica e musicale locale e promuoverle anche fuori dalla nostra città.
  4. Fce come detto è nota per le serate live a Borgochiesanuova, ma ha anche una ampia gamma di attività correlate al mondo della musica, raccontacele.

    I servizi che offriamo sono cresciuti molto negli anni ed ora riusciamo a seguire diversi aspetti di un evento come assistenza tecnica, organizzazione, comunicazione e grafica. Dall’apertura del centro ospitiamo anche corsi, workshop, mostre, sale prove, studio di registrazione, serate di giochi di ruolo oltre a set fotografici e video. Abbiamo mille altre idee da sviluppare nei prossimi mesi per garantire ai soci un offerta ludica e culturale continua.

  5. Si prevede una grande festa di compleanno: cosa bolle in pentola?

Abbiamo preparato una grande festa dalle 16 per  raccontare in breve tutto quello che è successo in questi anni, mostrare la completa ristrutturazione degli spazi e per presentare alcuni dei nuovi percorsi che saranno operativi da settembre. Ci saranno una masterclass di chitarra con Giorgio Borgatti (Three in one gentleman suit / Threelakes), un corso introduttivo al software Ableton Live e altre iniziative didattiche. Dalle 19 aperitivo di compleanno in collaborazione con Arci Fuzzy, presenteremo il corso di batteria con Alessandro Magnani e dalle 21.30 spazio alle “visioni elettriche”: concerto con musicisti provenienti dalla scuola di musica Andreoli di Finale Emilia. I workshop sono gratuiti per tutti i soci di FCE ma i posti disponibili sono limitati e consigliamo di prenotare gli ultimi posti disponibili.

  1. Per il futuro quali sono gli obiettivi e i sogni di Frammenti di un Cuore Esploso?

 

Il primo grande sogno era quello di aprire uno spazio e siamo riusciti a realizzarlo; c’è molto lavoro da fare ancora per portarlo al 100% di efficienza e tutto il 2017 sarà dedicato ad esso. Nel nostro futuro vedo progetti per rivitalizzare il quartiere di Borgochiesanuova, altri con le scuole per valorizzare i giovani artisti/musicisti locali, organizzare tour europei per band italiane e la trasformazione di Fce Records in una cooperativa di lavoro specializzata in servizi per gli eventi in una fase più avanzata del progetto.

L’Apocalisse della Fuzz Orchestra a Brescia

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img_20161105_243023602-01Fuoriusciti da una voragine apertasi per l’imminente Apocalisse, la Fuzz Orchestra dei tre profeti della catastrofe, è giunta al Lio Bar di Brescia per scagliare anatemi sulfurei. L’oscura matrice dei Black Sabbath incontra Morricone e numerosi sample vocali cinematografici che sostituiscono il cantato e, insieme, viene dichiarata la lotta armata ad un’Italia corrotta, egoista e ammalata di fascismo e perbenismo. Queste le premesse per il live incendiario del trio milanese che giunge al termine del lungo tour dell’ultimo album, “Uccideteli tutti! Dio riconoscerà i suoi”: l’intro inquietante de “l’uomo nuovo” riprende il discorso dell’anarchico di “Pasqualino Settebellezze” di Lina Wertmuller. Luca Ciffo ipnotizza con il riff iniziale de “Nel nome del padre” suonato sulla sua Diavoletto, mentre Fabio Ferrario dai suoi aggeggi digitali ed analogici tira fuori voci e suoni maledetti direttamente da un film del 1962; Paolo Mongardi coglie la palla al balzo e scatena la prima sfuriata del concerto. “Todo Modo” è un assalto sonoro che dal vivo sprigiona una energia devastante dove il gioco strumentale oscilla tra heavy e prog: le parole, tratte dall’apocalisse di san Giovanni e dalle profezie di Isaia prendono vita e ballano una danza macabra con citazioni dell’omonimo film di Elio Petri del 1976. La violenza di “Il terrore è figlio del buio” si accompagna magistralmente ai campioni che Mongardi pesca, questa volta dal capolavoro “Il settimo sigillo”. E proprio il 4 novembre, anniversario della fine della Prima Guerra Mondiale, la carica eversiva di “Morire per la patria” risuona con forza nel locale bresciano: non ci sono patacche nazionaliste o medaglie postume per morti in trincea, ma la forza chitarristica di Ciffo che detta la linea alla band per vomitare rabbia antimilitarista contro il genocidio di giovani contadini  e operai voluto da industriali e generali, che echeggia nelle parole  di Gian Maria Volontè in “Uomini Contro”.

Fire in Casalecchio: The Cure live 2016

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img_20161029_220900000-01Il mito, la leggenda: melodìe e arrangiamenti che superano le barriere del tempo e sembrano infischiarsene delle rughe e delle mode che cambiano. I Cure sanno che i fan italiani sono tra i più esigenti e calorosi, per questo nella prima data italiana del loro tour suonano pezzi noti e meno noti, fino allo sfinimento e alla commozione, portando all’estasi collettiva le migliaia di appassionati che affollano l’arena di Casalecchio di Reno. I The Twilight Sad aprono la serata con uno show epilettico: la band rivelazione degli ultimi anni suona quarantacinque minuti di efficace post-punk, erede diretto dei Joy Division al tempo degli Interpol.
Quando i Cure salgono sul palco i fan si uniscono in un boato: scorrono Reeves Gabriels, Jason Cooper, Robert Smith, Simon Gallup e Roger O’ Donnell che si mettono ai loro posti di combattimento e parte, dolcemente malinconica, “Plainsong”. A seguito arrivano ballate di pop-oscuro di successo come “Pictures of you” e “A Night like this”. “Push” alza il tiro aumentando il battito e le distorsioni. Il synth-pop del periodo “Japanese Whispers” emerge nella danzereccia “The Walk”. Su ogni brano il bassista Simon Gallup gira, saltella e si mette in posa con un piede sulla cassa spia: ciuffo e basette rockabilly, trucco pesante e canotta degli Iron Maiden caratterizzano il personaggio che regge le speciali intelaiature di basso della band. “Shake dog Shake” è un ipnotico hard-rock psichedelico in cui Smith ruggisce e scatena il pubblico. Dal passato della band arriva un brano conosciuto dagli intenditori e sicuramente molto atteso: il fascino sublime e decadente di “Chaimg_20161029_211556847-01rlotte Sometimes”, ballata spettrale per sintetizzatori, avvolge con un manto oscuro tutta l’arena. “Lovesong”, magnifica nella sua semplicità romantica, conferma l’attenzione che la band dà dal vivo alle canzoni dell’album “Disintegration”. “Just like heaven”, “From the edge of the deep green sea” e una lenta e mesmerizzante “Prayers for rain” portano il set principale verso la sua conclusione su una commovente “Disintegration”.
I Cure tornano sul palco: Robert Smith scherza e sorride con il pubblico. Il folletto dark di Crawley invecchia, ingrassa, ma rimane musicista sopraffino ed una icona imprescindibile. Il primo bis colpisce al cuore i fan di vecchia data: dopo avere intonato tutti insieme “happy birthday” al tastierista O’Donnell, in rapida successione arrivano colpi di darkwave funerea come “At night”, “M”, “Play for today” il cui coro sulle note del sintetizzatore infiamma tutta l’arena, e la magia angosciante di “A Forest”, con il suo caratteristico connubio di basso e batteria post-punk su cui si stagliano le tastiere e la voce eterea di Smith. Il secondo bis presenta, tra le altre, una devastante “Fascination street” e la straziante dark-ballad “Burn” nota per la colonna sonora del film Il Corvo.
img_20161029_220654037-01E c’è ancora tempo per le ragnatele proiettate sugli schermi durante “Lullaby” con Robert Smith che canta e balla goffo come appeso ad una tela di ragno; “The Caterpillar” caleidoscopica nei suoi e nei colori del light-show. Per il gran finale Arrivano le super-hit “Friday I’m in love” e “Boys don’t cry”, fino ad una incendiaria e conclusiva “Why can’t I be you”. Si accendono le luci, il trucco è ormai sbavato, ma la magia resta nelle migliaia di persone che si guardano negli occhi dopo due ore quaranta di rituale laico.

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Credits: i video sono stati realizzati da Davide Barbieri

Kraftwerk: il futuro è (ancora) adesso

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IMG_20160725_225951781-01Nella loro carriera i Kraftwerk sono sempre andati “oltre”: le barriere musicali, i confini spaziali e quelli temporali; lo show in 3D andato in scena all’Arena di Verona è soltanto l’ultimo tassello di un enorme mosaico futurista. Dopo quarant’anni di carriera, Ralf Hütter, l’unico superstite della formazione originale, riesce nell’impresa di traghettare i Kraftwerk verso il futuro con uno spettacolo letteralmente fantascientifico. Tra le migliaia di persone accorse nella città scaligera si riconoscevano nomi noti della scena electro e tra i fan c’era anche chi si è fatto centinaia di chilometri per assistere ad uno dei concerti dell’anno.

Per entrare meglio nell’avanguardia artistica della band nata a Düsseldorf, agli spettatori è stato consegnato un paio di occhiali 3D per gustare al meglio l’esperienza visiva. Da subito l’evento è decollato grazie ad una dimensione sonora perfetta che ha dato ulteriore carica a versioni energiche dei capolavori della band, unita ad un immenso lavoro di stereoscopia che ha permesso l’ingresso nell’immaginario creato dai Kraftwerk: autostrade, centrali elettriche, incubi nucleari, laboratori spaziali, Volkswagen e treni ad alta velocità in cui, tra malcelata ironia e nostalgia del futuro, c’è dentro tutta la Germania avveniristica di metà anni Settanta. E il concerto all’Arena riconferma pienamente la teoria per cui tutta l’elettronica venuta dopo di loro (new wave, synth-pop, techno etc.), è profondamente debitrice dello sforzo artistico dei quattro pionieri tedeschi che salgono puntuali sul palco con le loro tute spaziali dalle linee colorate che ricordano quelle del film “Tron”.

In una prima fase dello show tutta incentrata sulla produzione dedicata al mondo dei calcolatori elettronici, su “Numbers” il pubblico va in delirio e, allo stesso tempo, entra in uno stato ipnotico sulle evoluzioni di numeri verdi che sembrano uscire dallo schermo e ricordano le fantasìe alla Matrix. Allo stesso modo si fa notare “It’s more fun to compute” in una versione –se possibile- ancora più cibernetica dell’originale. “Pocket Calculator” è nota per le sue diverse versioni tradotte e arriva qui nella sua traduzione italiana con alle spalle della band un calcolatore le cui trasformazioni visuali vanno di pari passo con le evoluzioni del sintetizzatore. Inizia a piovigginare in Arena, ma il pubblico non se ne cura rapito da questa esperienza video-musicale. Sulla elegante suite meccanica di “The Man-Machine” presa dall’omonimo album capolavoro che indagava il rapporto tra l’uomo e la tecnologia, le immagini che l’accompagnano sono ispirate al costruttivismo russo e seIMG_20160725_221014824_HDR-01mbrano contenute a fatica dal maxi-schermo. ”Spacelab” segna il decollo vero e proprio della serata:  la sognante e malinconica traversata stellare del 1978 è impreziosita dalle immagini coinvolgenti della plancia di comando di una nave stellare, mentre il “satellite Kraftwerk” proiettato in 3D entra nell’orbita veronese espande la realtà virtuale andando incontro alle migliaia di spettatori dell’Arena. Grandi emozioni su “Autobahn”, la title-track dell’album che trasformò i Kraftwerk in una leggenda internazionale: Hütter canta facendo il verso in modo iconoclasta ai Beach Boys di “Barbara Ann” con il suo “Wir fahr’n, fahr’n, fahr’n auf der Autobahne dietro di lui si alternano scene idilliache di autostrade teutoniche dominate da automobili Volkswagen e Mercedes-Benz. Due versioni distanti nel tempo di “Tour de France” vengono fuse come fossero tappe della stessa corsa ciclistica sulle immagini tratte dall’artwork del disco del 2003. Sui binari virtuali ed il minimalismo grafico del treno ad alta velocità che unisce l’Europa, scorre elegante la celebre “Trans-Europe Express” che come una locomotiva aumenta continuamente il ritmo prima di giungere in stazione e terminare l’esibizione dei quattro.

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Il bis viene infatti aperto dai quattro manichini-androidi in camicia rossa e cravatta nera che annunciano la super-hit “The Robots”: il pubblico esplode in un boato mentre lentamente il brano prende forma e i quattro automi si muovono interpretando la canzone con quel gusto fantascientifico a tratti infantile che ha fatto sognare generazioni di fan. Ogni robot sullo schermo 3D sembra poi uscire per raggiungere e afferrare il pubblico in uno dei momenti più attesi e più emozionanti dell’intera esibizione. Tornati sul palco i Kraftwerk, la serata dell’Arena termina con una lunga cavalcata electro che passa in rassegna “Boing, Boom Tschak”, “Techno Pop” e “Music non Stop” con i quattro che lentamente lasciano la propria postazione fino al turno di Ralf Hütter, che saluta in italiano, inglese e tedesco nell’unico momento di interazione “umana”.